Roberto Polo Gallery

The Gallery will close for Easter on Sunday, April 16th, 2017;

Xavier Noiret-Thomé

  • Cobracadabra
  • Expression soleil couchant
  • Le Cabanon
  • Woman in a Garden
  • The Milky Way of Life
  • The Armless Dandy

Artist Statement

Xavier Noiret-Thomé’s painting cannot be contained by traditional aesthetic oppositions between figuration and abstraction, figure and ground, drawing and colour, iconophilia and iconoclasm, high and low. It subverts those dichotomies in a joyous, turbulent frenzy that is utterly free of melancholy. If this painting has sometimes been described as "Postmodern," that is more a matter of intellectual laziness than artistic imperatives. For there is not a jot here of that contemporary cynicism that plays with figures from the past only to prove their obsolescence. There is nothing fake about the energy that runs through Noiret-Thomé’s painting, no more than there is about his admiration for his predecessors.
The artist accepts painting in all its states: Noiret-Thomé is open to everything that happens, emerges, and occurs at any moment of its elaboration. He is a painter on the watch, in ambush, more than a painter of protocols and pre-established programs. Whenever he embarks on a painting, the artist is thus particularly attentive to incidents, to accidents. There is no question of a program; it is more a case of the implementation of pragmatic methods, without any formal discrimination or aesthetic catechisms.
Xavier Noiret-Thomé does not fetishistically venerate or revere the medium of paint, and likes to juxtapose the most contrasting media (oil and acrylic, industrial paint and ink, industrial varnish and spray paint, etc.). He does not have a puritan, absolutist conception of painting. He accepts it as much for its “grandiosity” (its history and tutelary figures) as for its “weakness” (its impurity, and even its triviality).
Noiret-Thomé takes an almost childlike delight in playing havoc with the codes, recommendations, protocols, and hierarchies attached to the medium: For him, the challenge is to follow one’s true inclinations, to be as close as one can to what makes one what one is, whatever the fashions and trends of the moment.
More than mastery, in fact, painting for Noiret-Thomé is a matter of sovereignty. The sovereignty of the painter is the affirmation that he necessarily comes along after everyone else; that his fundamental singularity is nourished by the plurality of voices, gestures, materials, and manners that went before him. And, for Xavier Noiret-Thomé, being a painter today means being a painter after photography and cinema, after Duchamp’s readymade, after Minimalism and Conceptual art; after Philip Guston and Sigmar Polke… but also after pop music; after Auschwitz and Hiroshima… But it is also to be a painter in the age of electronic music, of video games, of the Internet; in the age of globalization and the aberrations of financial capitalism.
Bernard Marcadé, 2013










    Xavier Noiret-Thomé at Roberto Polo Gallery ALL SPEAK OF LIFE Xavier Noiret-Thomé (1971) is a handsome forty something man. The type my grandmother would have described approvingly as ‘a tall, personable male’. His eyes are so thickly fringed with dark lashes he looks as if he is wearing mascara. Which he is not. An exhibition of Noiret-Thomé’s work is on now at Roberto Polo Gallery in Brussels. The press text insists on telling us he is an iconoclast who is trying to paint himself a way out from under his masters’ influences. Which is not what I saw. Hans THEYS Noiret-Thomé is not destroying any images. He is creating paintings. To this end he draws on his impressive erudition and plays around with techniques, shapes and images that refer to existing paintings. The painter Damien De Lepeleire once told me this was iconoclastic. By that he did not mean Noiret-Thomé is trying to break free from the past, but quite the opposite: the way Noiret-Thomé deals with art-historical material is incredibly unselfconscious and candid. He lives and breathes art. Music, plastic arts, film, and literature: everything is being considered simultaneously; everything is interconnected. Conversations with Noiret-Thomé are whirlwinds. He talks fast, precisely, associatively, like a magician, firing off images in quick succession. Elsewhere in this edition I mention how he describes Ruby’s collages, now exhibited at Xavier Hufkens’, as ‘obese versions of Calder’s collages’. “Ce sont des versions obèses des collages de Calder,” he said, immediately adding: “Des variantes survitaminées”, “Souped-up variants”. STONE PINES He paints the way he speaks. He allows things to happen, projects images on top of what is there and tells stories. This is how he coaxes new paintings into being. When we were standing in front of the painting illustrated here, and he told me it was entitled ‘Parentesi Romana’ (2014-15), I immediately recognised the stone pines at the Villa Medici, where he spent a year as an artist in residence in 2006 (Not just because I visited him there, but also because De Lepeleire had told me in 2005 that Poussin made some watercolours of these pines, which is why I looked at them more closely than I might have otherwise). But this painting was not created because the artist wanted to represent those trees, but because he happened to have applied green paint in three spots. It was only after lengthy observation of the green spots, that the idea came to Noiret-Thomé that these could represent the tops of stone pines, if he added trunks. After that, he covered the painting in varnish, and stuck four Moroccan paper napkins to it. When the varnish was dry, he added the grey and yellow parts. Next, he laid the canvas on the floor and trickled some brown wood varnish here and there. Finally, he coloured the napkins, added the two reflectors ‘because it was lacking in red’ and finished the treetops with two extra layers of dark green. Before the addition of the wood varnish, the painting was too ‘atmospheric’: it suggested a perspectival depth. The varnish, which congealed on top of the canvas as it was laid out on the floor, interferes with this perception of depth. To Noiret-Thomé, this is an element from the Far East, reminiscent of Chinese and Japanese paintings that lack perspectival depth, but which also refers to artists like Cézanne and Matisse, who were, of course, influenced by Eastern art forms. Noiret-Thomé detects this influence for instance in their still lifes, where a table top does not seemingly disappear into the depths, but rather looks as if it was folded up – just like the brown varnish spots in ‘Parentesi Romana’. The joy one feels when looking at his paintings is, as with Walter Swennen’s, intellectual rather than anything else, though it is also inextricably linked with the painting’s texture STARRY SKIES On the ground floor, three monumental new paintings embody three different approaches. On the left ‘Non-Spot Painting: The Big White’ (2014), created by pouring white paint over a canvas laid out on the floor. A couple of hundred disc-shaped objects were thrown onto the wet paint – toys, or objects bought at the Moroccan shops near Noiret-Thomé’s workshop, or paint-pot covers, some of which have previously been used as palettes. The title refers to Damien Hirst’s ‘Spot Paintings’. Noiret-Thomé started adding beads and coins to his paintings when, after his daughter was born, he suddenly started noticing girly knick-knacks wherever he went. These are often monochrome paintings, morphed into starry skies by these additions. The second painting is entitled ‘La Desserte ou le bouquet final’ (2014-15). This is a figurative painting that shows affinity with ‘Parentesi Romana’ and ‘Hostages’. The title refers to the Matisse painting ‘La Desserte rouge’. Finally, ‘The Return of the Landscape: The Synthesis’ (2014), features ‘negative space’ MDF-cut-outs, each painted in monochromes and screwed onto a grey monochrome painting. He had found this leftover MDF in the bins at his workspace, where students had been sawing out shapes to compose ‘landscapes’ with. Yet again, in this painting, illusory depth is associated with flat planes. TEXTURE Noiret-Thomé translates art history into shapes that come together in his paintings. The joy, felt while looking at his paintings is, as with Walter Swennen’s, intellectual more than anything else, though it is also inextricably linked with their texture. In ‘Hostages’ (2014) three main elements jump out: an apparently secondary red-and-white checkerboard pattern in the background, a bunch of green asparagus and two triangular shadows. Noiret-Thomé told me the checkerboard refers to a tablecloth in a Vichy-pattern (which looks quite different in reality: white with pink stripes, red where they cross). This tablecloth is viewed from above. Strictly speaking, this would mean that the bunch of asparagus is lying on the table, but the shadows suggest otherwise: the bunch is standing upright. Yet again, Noiret-Thomé is playing with perspective and a plane that folds up, yet this painting looks completely different from ‘Parentesi Romana’. The red and green complementary colours create a striking image. The asparagus, unexpectedly brought into existence by adding a few green strokes, refers, of course, to Manet. According to the author of the catalogue text, Martin Herbert, the chequerboard pattern refers to Duchamp, possibly an evil genius to a French art world that, burdened with Duchamp’s heritage, still seems to be struggling with the notion of people just creating paintings. Noiret-Thomé’s paintings have no fixed theme, just open-ended shapes that evoke a chain of projections. The exhibition title, ‘Ghosts’, refers to the poem ‘Ce que dit la bouche d’ombre’ by Victor Hugo. One sentence keeps being repeated: ‘Tout parle’ (‘Everything speaks’). This is a ghost, saying how all things speak of life. “It is a pantheistic poem,” says Noiret-Thomé, “so beautiful.” He may feel, quite understandably, that this poem is also about him - as the ghost in his head whirls like a kaleidoscopic storm wind, frequently scattering images, shaped by his hand… Montagne de Miel, April 29th 2015 Xavier Noiret-Thomé until June 7th at Roberto Polo Gallery, Lebeaustraat 8, Brussels. Open Tu-Fr 14-18, Sa-Su 11-18. Xavier Noiret-Thomé, ‘Parentesi Romana’, 2014-15, © Isabelle Arthuis FR Xavier Noiret-Thomé à la Roberto Polo Gallery TOUTES LES CHOSES PARLENT DE LA VIE Xavier Noiret-Thomé (1971) est un beau quadragénaire. Ma grand’mère l’aurait appelé avec une admiration à peine voilée un grand beau mec. Ses longs cils noirs très rapprochés font presque croire qu’il se maquille les yeux. Noiret-Thomé expose actuellement à Bruxelles dans la Roberto Polo Gallery. Deux articles de presse parlent d’un iconoclaste qui tente de se libérer de l’influence de ses maîtres. Ce n’est nullement mon expérience. Hans THEYS Noiret-Thomé ne détruit pas des images, il peint des tableaux. Partant d’une érudition impressionnante, jouant de techniques, de formes et d’images, il renvoie à d’autres tableaux. Le peintre Damien De Lepeleire me parla à ce propos d’iconoclasme. Or, en disant cela, il ne prétendit pas que Noiret-Thomé tenta de cette façon de se libérer du passé, mais précisément le contraire, à savoir qu’il traite le matériel de l’histoire de l’art avec une grande liberté. Noiret-Thomé est un artiste qui respire l’art. La musique, les arts plastiques, le cinéma, voire la littérature, tout est considéré en même temps, tout est lié. Les conversations avec Noiret-Thomé sont des expériences tourbillonnantes. Il parle vite, avec précision, par association et jongle avec les mots et les idées. Il parle en images qui se succèdent à une allure folle. Ailleurs dans ce numéro, j’écris qu’il disait des collages de Ruby, actuellement exposés chez Hufkens que « ce sont des versions obèses des collages de Calder, » ou encore : « des variantes survitaminées ». PINS PARASOLS Il parle comme il peint. Il laisse les choses se produire, y projette des images, les accompagne d’histoires et part ainsi en quête de nouveaux tableaux. Lorsqu’il me racontait devant le tableau reproduit ci-joint qu’il l’avait intitulé ‘Parentesi Romana’ (2014-15) j’ai immédiatement reconnu les pins parasols de la Villa Medici où il a séjourné pendant un an en 2006. Non seulement parce que je lui ai rendu visite sur place mais aussi parce que De Lepeleire m’avait raconté, en 2005, que Poussin avait fixé ces pins en aquarelles, ce qui m’a poussé à regarder ces arbres avec beaucoup plus d’attention. Pourtant, le tableau n’a pas été créé par le simple désir de peindre ces arbres, mais bien par l’envie d’appliquer au hasard trois parties vertes. Ce n’est qu’après avoir longuement observé ces parties vertes que Noiret-Thomé s’est rendu compte qu’elles auraient pu représenter les cimes de pins s’il y ajoutait des troncs. Il a ensuite couvert la toile de vernis sur lequel il a collé quatre petites serviettes marocaines. Lorsque le vernis a séché, il y a ajouté les parties grises et jaunes. Ensuite, il a couché le tableau sur le sol et il y a versé çà et là un peu de vernis à bois marron. Enfin, il a coloré les serviettes et il y a ajouté les deux réflecteurs « car il y manquait du rouge » et il a achevé les cimes des arbres avec deux couches de vert foncé. Avant d’y ajouter le vernis à bois, le tableau était trop « atmosphérique » : il suggérait une profondeur perspectiviste. Les taches de vernis coagulées sur le tableau couché bloquent cette profondeur. Pour Noiret-Thomé, il s’agit là d’un élément oriental qui rappelle les peintures chinoises ou japonaises dépourvues de profondeur perspectiviste. Il y voit également une référence à des artistes comme Cézanne et Matisse, qui avaient été influencés par l’art oriental. C’est ce que Noiret-Thomé observe entre autres dans leurs natures mortes, où la surface d’une table ne semble pas disparaître dans la profondeur du tableau mais semble rabattue vers le haut, telles que les taches de vernis brun dans ‘Parentesi Romana’. CIELS ÉTOILÉS Au rez-de-chaussée, nous voyons trois nouveaux tableaux monumentaux qui traduisent trois approches différentes. A gauche ‘Non-Spot Painting : The Big White’ (2014). Le tableau a été réalisé en versant de la peinture blanche sur une toile couchée. Par la suite, quelques centaines d’objets en forme de disques ont été projetés sur la peinture encore humide. Ce sont tantôt des jouets, tantôt des objets issus de magasins marocains voisins de l’atelier de Noiret-Thomés, voire des couvercles de pots de peinture, dont certains ont été utilisés comme palette. Le titre renvoie aux ‘Spot Paintings’ de Damien Hirst. Noiret-Thomé a commencé à incorporer de petites perles et des pièces de monnaie dans ses tableaux lorsqu’après la naissance de sa fille, il avait observé un peu partout des colifichets pour les petites filles. Il s’agit souvent de tableaux monochromes qui, à travers ces ajouts, se transforment en ciels étoilés. Le deuxième tableau s’intitule ‘La Desserte ou le bouquet final’ (2014-15). C’est une peinture figurative proche de ‘Parentesi Romana’ et ‘Hostages’ et dont le titre réfère au tableau ‘La desserte rouge’ de Matisse. Enfin, nous contemplons le tableau ‘The Return of the Landscape : The Synthesis’ (2014), où à chaque fois des formes négatives monochromes de MDF sont vissées sur un tableau monochrome gris. Les formes avaient été abandonnées par des étudiants qui avaient découpé des formes à la scie pour créer des paysages : à nouveau un tableau qui combine une profondeur illusoire avec des formes plates. TEXTURE Noiret-Thomé traduit l’histoire de l’art en formes qui se rencontrent dans ses tableaux. Le plaisir que le spectateur éprouve à regarder ses peintures est comme chez Walter Swennen de nature plutôt intellectuelle, bien qu’il soit impossible de le dissocier de la texture du tableau. Dans ‘Hostages’ (2014) nous rencontrons essentiellement trois éléments formels : un fond apparemment sous-jacent en damier rouge et blanc, une botte d’asperges vertes et deux ombres triangulaires. Noiret-Thomé me dit que le damier renvoie à une nappe en Vichy (qui, en fait, a un tout autre aspect car il consiste en bandes roses virant au rouge là où elles se croisent). Ici, la ‘nappe’ est vue d’en haut. A proprement parler, cela signifierait que la botte d’asperges est posée à l’horizontale sur la table. Pourtant, les ombres suggèrent que la botte est à la verticale. A nouveau, nous constatons un jeu de perspective et une surface rabattue vers le haut, mais dans un tableau complètement différent de ‘Parentesi Romana’. Les couleurs complémentaires du vert et du rouge créent une image forte. Les asperges sortant de manière inattendue de quelques traits de peinture verte renvoient évidemment à Manet. De son côté, Martin Herbert, auteur du texte du catalogue, voit dans le modèle du damier une référence à Duchamp, que nous pourrions qualifier de mauvais génie du monde artistique français, qui (en raison de l’héritage de Duchamp) semble toujours avoir des difficultés avec les gens qui font tout simplement des tableaux. Les tableaux de Noiret-Thomés n’ont pas de signification univoque. Ce sont des formes ouvertes suscitant des projections en chaîne. Le titre de l’exposition, ‘Ghosts’, se réfère entre autres au poème de Victor Hugo ‘Ce que dit la bouche d’ombre’ et en particulier à une phrase qui revient à plusieurs reprises dans le texte : ‘Tout parle’. Un esprit raconte comment toute chose parle de la vie. « C’est un très beau poème panthéiste » selon Noiret-Thomé. Nous pouvons comprendre qu’il se reconnaît complètement dans ce texte, car l’esprit dans sa tête déclenche une tempête kaléidoscopique, qui en passant par ses mains, se transforme régulièrement en tableaux. Montagne de Miel, 29 avril 2015 Xavier Noiret-Thomé jusqu’au 07 juin dans la Roberto Polo Gallery, 8, Rue Lebeau, Bruxelles. Ouverture ma-ve entre14h-18 h, sa-di 11h-18 h.

  • XAVIER NOIRET-THOMÉ I GHOSTS I 'XNT-invoquer/évoquer' by Jérémie Demasy I L'art même N°65



    En abordant l’œuvre de XAVIER NOIRET-THOMÉ, deux traits semblent fondateurs1 : d’une part, le lien qu’il entretient avec l’his­toire de la peinture, ses figures emblématiques et oeuvres de tous bords, d’autre part, son geste jubilatoire, iconoclaste, voire irrévéren­cieux. 'Ghosts', titre de l’exposition à la galerie Roberto Polo, met en exergue le premier de ces traits. Le second, quant à lui, passe plus exclusivement par l’image, ses dynamiques et sensations. Seraient-ce là le sujet et la forme qui façonnent l’oeuvre ? XNT– INVOQUER /ÉVOQUER L’espace du tableau semble être pour Xavier Noiret-Thomé (°1971, Charleville-Mézières (F) ; vit et travaille à Bruxelles) l’oc­casion d’un grand repas. Une sorte de banquet familial, un peu à l’ancienne : on y voit se rencontrer ancêtres et bambins, pas­ser fantômes et amis, se révéler, dans les cercles lointains des cousins, quelques filiations louches, évidentes mais discrètes. Sur ses toiles, il y a donc des invités : un parcours de références comme des invocations, des objets rapportés comme des évo­cations. Par l’invocation de ses prédécesseurs, voilà son geste inscrit dans une certaine grandeur dont témoigne l’histoire. En contrepoint, la présence d’objets rapportés évoque, quant à elle, l’univers quotidien du peintre dans son atelier. Ainsi qu’il le confie à Hans Theys dans un long entretien, sa pratique l’ancre pleinement dans un flux que ses oeuvres condensent. À titre d’exemple, ses compositions cosmogoniques, telles que 'Quest' (2008), renferment et prolongent différents moments de l’his­toire de la peinture : des 'Nymphéas' de Monet au 'Dripping' et à la tradition du 'All-over', en passant par les tableaux abstraits de Mondrian. Selon ce qui l’occupe et capte le regard—sujet, composition, rendu de matière—, peuvent surgir Van Eyck ou Matisse, Eugène Leroy, de Chirico, Beuys ou Basquiat. Un tas d’anecdotes s’entrecroisent sous forme de motifs, de touches ou de textures… Xavier Noiret-Thomé fabrique une peinture à tiroirs, parfois miroir, joyeuse et familière. L’histoire des quatre portraits 'E.R', 'B&E.S', 'X.N-T' et 'D.Z' met en lumière ce rapport d’influences que l’artiste entretient avec ses maîtres tout en cherchant sa mise à distance par le geste "iconoclaste" : jugeant ses tableaux trop proches de leur source d’inspiration, il les recouvrira d’une couche de chrome en bombe. Tout en offrant un espace de projection plus puissant et ouvert, les portraits s’autonomisent par le biais d’une intervention qui est elle-même distanciée. Souvent, la peinture de Noiret-Thomé regorge de strates autant qu’elle foisonne de sens de lecture. Le regard erre spontané­ment de zones en zones et de l’infra au supra. Les motifs en réserve côtoient des traits de pinceau à main levée, les plans se contredisent et les matières les plus hétérogènes dialoguent au mieux de leur potentiel technique et visuel. Sur base d’un dessin acrylique automatique ou de quelques taches de couleurs, le processus créatif s’enclenche et les couches successives de diverses textures forment progressivement l’objet et le sujet. XNT utilise pochoirs et pinceaux, bombe, vernis, laque et pail­lettes… Le tout étant de peindre. 'La Méduse' (2009–2010) per­met de bien apprécier cette complexité des plans et des effets graphiques. On y sent la juxtaposition des multiples gestes du peintre en différents moments. Ainsi, si certains traits rapides et couleurs dégoulinantes forment un plan de la représentation et un temps de création, d’autres motifs tels qu’ici cette croix, ces délimitations nettes de différents cadres sur la même toile, offrent de nouveaux plans et une sensibilité plus mesurée qui semble coordonner l’ensemble. L’exposition à la galerie Roberto Polo rassemble une petite tren­taine de toiles, puisée dans la production de l’artiste. Elle est aussi l’occasion d’une publication monographique de quatre-vingt pages, reproduisant une importante part de l’oeuvre récente de Xavier Noiret-Thomé ainsi qu’un texte du critique anglais Martin Herbert. Jérémie Demasy 1 Voir Bernard Marcadé, "Les débâcles de la peinture", dans Xavier Noiret-Thomé, Analogues, Maison d’édition pour l’art contemporain, Arles, 2012 ; Hans Theys, "D’une pratique à l’autre – Conversation avec Xavier Noiret-Thomé", dans Xavier Noiret-Thomé, Analogues, Maison d’édition pour l’art contemporain, Arles, 2012 ; Claude Lorent, "Une incroyable jubilation picturale", dans Arts Libre, Bruxelles, 15 février 2013 ; Martin Herbert, "Double image", dans Ghosts, Roberto Polo Gallery, Bruxelles, 2015. XAVIER NOIRET-THOMÉ GHOSTS ROBERTO POLO GALLERY 8-12 RUE LEBEAU 1000 BRUXELLES WWW.ROBERTOPOLOGALLERY.COM JUSQU’AU 7.06.15 Xavier Noiret-Thomé EN To those who approach XAVIER NOIRET-THOMÉ’s oeuvre, two characteristics will seem essential 1: on the one hand, the connection maintained by the artist with the history of painting, its emblematic figures and works of art of all sorts; and on the other hand, his jubilant, iconoclastic, irreverential pictorial gestures. The title of the exhibition at Roberto Polo Gallery, 'Ghosts', highlights the first of these characteristics. The latter quality is transmitted exclusively through the images themselves, their dynamics and the sensations they elicit. Can we take these two characteristics to be the subject and form of his oeuvre ? XNT– INVOKE/EVOKE Xavier Noiret-Thomé 'Big Mother' 2013–14, acrylic, spray, sand and collage To Xavier Noiret-Thomé (°1971, Charleville-Mézières (F); lives and works in Brussels), the space within a painting seems to be the setting for a lavish feast - some kind of family banquet perhaps, a bit old-fashioned, where old-age pensioners meet toddlers, where ghosts and friends roam and where, among far-removed cousins, a few louche, unequivocal, yet discrete parentages are revealed... His canvases feature his dinner guests, a display of his references – as invocations, and found objects – as evocations. As he invokes his predecessors, the painter’s pictorial gesture becomes part of the grandeur that is reflected by history. The presence of the objects, on the other hand, evokes the painter’s everyday surroundings, his workshop. As XNT confided to Hans Theys in the course of a lengthy interview, his practice anchors him firmly in a flux that exists in condensed form in each of his works. His cosmogonic compositions, for instance, such as 'Quest' (2008), contain and prolong various moments in the history of painting: from Monet’s water lilies to dripping and the all-over tradition, via Mondrian’s abstractions. Depending on what he is concerned with at any given time, and on what catches the eye—subject, composition, rendering of the material— Van Eyck may appear, or Matisse, Eugène Leroy, De Chirico, Beuys or Basquiat. Lots of anecdotes intertwine in the shape of motifs, touches or textures… Xavier Noiret-Thomé produces paintings featuring various zones, like drawers which can be opened and shut, sometimes with mirror effects and always joyful and familiar. The history of the four portraits 'E.R', 'B & E.S', 'X.N-T' and 'D.Z', highlights the relationship he entertains with these masters he is influenced by, while keeping them at arm’s length with his 'iconoclastic' gesture: when he feels his paintings are too close to their sources of inspiration, he sprays them with a layer of chrome, from a can. The portraits continue to present a forceful and overt projection, yet become autonomous as a result of an intervention that is itself distanced. Noiret-Thomé’s painting often abound with as many levels as it overflows with different readings. The spectator’s gaze roams spontaneously from one area to the next, from infra to supra. Motifs in reserve find themselves next to brush strokes in freehand, layers contradicting each other and the most heterogeneous materials interacting at the best of their technical and visual ability. Building on a basis consisting of an automatic acrylic drawing or a few flecks of colour, the creative process engages whereby successive layers of various textures progressively shape both object and subject. XNT makes use of pochoirs and paint brushes, spray cans, varnish, lacquer, glitter… As long as he can paint with it. 'La Méduse' (2009–2010) is a point in case: it invites us to fully appreciate this complexity of layers and graphic effects, as well as to detect how the painter’s multiple pictorial gestures were, at different times, juxtaposed on the canvas. A few rapid sketches and colour drippings, added during one moment of creation, form one layer of the representation, where subsequently other motifs such as this cross here, and those clear delineations of various frames on the same canvas, add new layers and a more measured sensibility, that seems to bring the whole picture together. The exhibition at Roberto Polo Gallery consists of nearly thirty canvases. An eighty-page catalogue was published to mark the occasion, featuring a major part of Xavier Noiret-Thomé’s recent oeuvre, and text by the British art critic Martin Herbert. Jérémie Demasy 1 Bernard Marcadé, 'Les débâcles de la peinture', in Xavier Noiret-Thomé, Analogues, Maison d’édition pour l’art contemporain, Arles, 2012; Hans Theys, 'D’une pratique à l’autre – Conversation avec Xavier Noiret-Thomé', in Xavier Noiret-Thomé, Analogues, Maison d’édition pour l’art contemporain, Arles, 2012; Claude Lorent, 'Une incroyable jubilation picturale', in Arts Libre, Brussels, February 15th, 2013; Martin Herbert, 'Double Image', in 'Ghosts', Roberto Polo Gallery, Brussels, 2015. XAVIER NOIRET-THOMÉ GHOSTS ROBERTO POLO GALLERY 8-12 RUE LEBEAU 1000 BRUSSELS WWW.ROBERTOPOLOGALLERY.COM UNTIL 7.06.15 Xavier Noiret-Thomé NL In het werk van XAVIER NOIRET-THOMÉ lijken twee kenmerken fundamenteel1: enerzijds de relatie die hij onderhoudt met de geschiedenis van de schilderkunst, de emblematische figuren en werken van alle slag uit die geschiedenis, en anderzijds zijn levenslustige, iconoclastische, oneerbiedige picturale hand. De titel van de expositie in galerie Roberto Polo, Ghosts, belicht het eerste van deze kenmerken. Het tweede komt eerder exclusief naar voren in het beeld, de dynamiek en de gevoelens die zijn werk oproept. Hebben we daarmee inhoud en vorm van zijn werk omschreven ? XNT– AANROEPING/OPROEPING Xavier Noiret-Thomé, Big Mother, 2013–14, acryl, spray, zand en collage Het oppervlak van een canvas lijkt voor Xavier Noiret-Thomé (°1971, Charleville-Mézières (F); woont en werkt in Brussel) een uitnodiging te zijn voor een uitgebreide maaltijd. Een soort familiebanket, een beetje ouderwets, waar voorouders en peuters elkaar ontmoeten, en spoken en vrienden langskomen, en in kringen van verre neven enkele evidente maar discrete louche verwantschappen aan het licht komen… Op zijn doeken staan dus zijn genodigden, een referentieparcours van aanroeping, en toegevoegde voorwerpen, bij wijze van oproeping. Door zijn voorgangers te aanroepen plaatst hij zijn picturale handeling in de grandeur die de geschiedenis uitstraalt. Anderzijds roept de aanwezigheid van gevonden voorwerpen het dagelijkse universum van de schilder in zijn atelier op. Zo vertrouwde hij Hans Theys tijdens een lang interview toe, dat zijn schilderspraktijk volledig verankerd is in een flux, die zijn werken condenseren. Bij wijze van voorbeeld: zijn kosmogonisch composities, zoals Quest (2008), omvatten verschillende momenten uit de geschiedenis van de schilderkunst en laten die voortduren: van de Waterlelies van Monet tot Dripping en de All-over traditie, via de abstracte schilderijen van Mondriaan. Naargelang wat hem bezighoudt en waar zijn blik op valt—thema, compositie, materiaalgebruik— kunnen Van Eyck of Matisse opduiken, Eugène Leroy, de Chirico, Beuys of Basquiat. Een veelheid van anekdotes kruisen elkaar in de vorm van motieven, toetsen of texturen… Xavier Noiret-Thomé stelde een schilderkunst-met-laden samen, die soms spiegelend en altijd joyeus en vertrouwd is. De geschiedenis van de vier portretten, E.R, B&E.S, X.N-T et D.Z, belicht de verhouding die de kunstenaar onderhoudt met de meesters die hem beïnvloeden, terwijl hij zich tegelijk van hen distantieert door zijn "iconoclastische" handelingen: als hij oordeelt dat zijn werken te dicht bij hun inspiratiebron zijn gebleven, voorziet hij ze van een laag chroom uit een spuitbus. Op die manier krijgen ze een krachtigere, opener uitstraling, maar tegelijkertijd worden de portretten hierdoor autonoom, door middel van een ingreep die zelf afstandelijk is. Vaak loopt de schilderkust van Noiret-Thomé evenzeer over van meerlagigheid als ze barst van de verschillende potentiële lezingen. De blik dwaalt spontaan van de ene naar de andere zone en van infra naar supra. Uitgespaarde motieven flankeren penseelstreken uit de losse hand, onderling contradictorische lagen en de meest heterogene materies, dialogerend op hun hoogste technische en visuele niveau. Over een basis heen, die bestaat in een automatische acryltekening of enkele kleurvlekken, zet het creatieve proces zich in beweging en geven opeenvolgende lagen van verschillende texturen geleidelijk vorm aan object en subject. XNT maakt daartoe gebruik van stencils en penselen, spuitbussen, vernis, lak, glittertjes… Als het maar schildert. Bij La Méduse (2009–2010) bijvoorbeeld, kunnen we deze complexiteit van lagen en grafische effecten goed waarnemen. Hier is goed voelbaar hoe de schilder vele picturale bewegingen, op verschillende ogenblikken uitgevoerd, naast elkaar plaatst. Terwijl enkele snelle streken en kleurdrippings één laag van de afbeelding vormen, op een specifiek tijdstip van creatie, voegen andere motieven, zoals dit kruis hier, en deze duidelijke afbakeningen van verschillende frames op hetzelfde doek, nieuwe lagen toe en vormen ze een meer getemperde gevoeligheid die het schilderij lijkt af te werken tot een geheel. In galerie Roberto Polo worden een kleine dertig doeken getoond, geput uit de productie van deze kunstenaar. Ter gelegenheid van de tentoonstelling wordt ook een monografie van tachtig pagina’s uitgebracht, die een overzicht geeft van een belangrijk deel van het recente œuvre van Xavier Noiret-Thomé, evenals een tekst van de Engelse kunstcriticus Martin Herbert. Jérémie Demasy 1 Zie Bernard Marcadé, "Les débâcles de la peinture", in Xavier Noiret-Thomé, Analogues, Maison d’édition pour l’art contemporain, Arles, 2012; Hans Theys, "D’une pratique à l’autre – Conversation avec Xavier Noiret-Thomé", in Xavier Noiret-Thomé, Analogues, Maison d’édition pour l’art contemporain, Arles, 2012; Claude Lorent, "Une incroyable jubilation picturale", in Arts Libre, Brussel, 15 februari 2013; Martin Herbert, "Double image", in Ghosts, Roberto Polo Gallery, Brussel, 2015. XAVIER NOIRET-THOMÉ GHOSTS ROBERTO POLO GALLERY 8-12 LEBEAUSTRAAT 1000 BRUSSEL WWW.ROBERTOPOLOGALLERY.COM TOT 7.06.15 Xavier Noiret-Thomé

  • Xavier Noiret Thomé I 'La puissance impertinente d'une peinture libre', by Claude Lorent, Arts Libre



    La puissance impertinente d’une peinture libre Retour marquant et pour tout dire magistral de Xavier Noiret-Thomé en galerie bruxelloise avec l’exposition d’une peinture vigoureuse, décapante autant que débordante d’une vitalité tonique pleine de volupté. LA PEINTURE DONT ON REMARQUE enfin l’arrivée en force, se cherche de nouvelles voies en empruntant volontiers au passé avec appui rassurant sur le beau métier ou, au contraire, en accentuant le côté potache comme s’il s’agissait de la dernière arme de destruction massive pour régler ses comptes avec ce passé encombrant. La difficulté en peinture aujourd’hui est de s’assumer pleinement et d’affirmer une position, non de retranchement, mais d’avant-poste en prenant en compte les acquis tant séculaires que modernistes. Xavier Noiret-Thomé est un exemple de ces trop rares peintres qui agissent autant décomplexés et par conséquent inventifs qu’attachés aux valeurs à reformuler sans cesse. Sa nouvelle exposition est un nouvel hymne à la peinture. Il retentit en sonorités vibrantes transmettant un enthousiasme tenant d’une certaine anarchie joyeuse et communicative. Irrévérence admirative On peut penser que la peinture de Xavier Noiret-Thomé va dans tous les sens tellement on passe, et en formats volontiers monumentaux, ce qui apporte surenchère à l’impression, de l’abstraction lyrique ou construite à la figuration déstabilisante, de la rigueur à la sauvagerie, du portrait iconoclaste positif au paysage revu et corrigé. Pas de doute, c’est précisément son domaine, l’artiste embrasse large avec une délectation jamais feinte. Le bonheur est dans la peinture pour autant que l’on s’y vautre à corps et à coeur, sans retenue, en bravant tous les dangers, tous les interdits, en franchissant toutes les frontières. Et à condition, bien entendu, d’avoir le talent fou pour l’oser et le réussir. La tâche est plus ardue que le résultat ne le laisse supposer. Il faut avoir l’énergie, les formes, les couleurs pour le faire et une panoplie créative jamais figée car tout se base sur la nouvelle image, ni rétro, ni post, mais ici et maintenant. Le principe de ce travail est une liberté d’esprit doublée d’une irrévérence admirative et complice vis à vis du corpus pictural appartenant au meilleur de son histoire. Intégrer tous azimuts En abordant toute la peinture moderne et contemporaine, Xavier Noiret-Thomé met aussi à son actif la place prise par l’objet dans l’art, la substitution de la représentation par celui-ci,le tabou du style unique, déjoue la prépondérance de l’idée et du concept, adopte le mélangedes cultures savantes et populaires. Il reformule leprincipe de la belle image en insistant sur sa puissance de choc. Il joue hors catégories en pratiquant des intégrationsmultiples et des associations sans bornes ni préjugés. Se donnant ainsi pleinement, libertairement, il brave tous les obstacles et aboutit à une forme dejouissance et d’intelligence picturales régénérescentes.Il remet à l’épreuve ce qu’il aborde et n’hésite jamais à en référer à ses prédécesseurs, non pour les copier, les pasticher, mais pour les faire participer à une sorte de gourmandise partagée de la peinture. Il s’en dégage des saveurs inconnues dans des mets auxquels participent tantôt Duchamp, Miro, Mondrian, tantôt Sol Lewitt, Philip Guston, Robert Gober et d’autres dont Magritte avec une pipe goguenarde qui pourrait être fumée par Monsieur Hulot himself ! La verve métissée qu’il nous livre aussi audacieuse en couleurs qu’en formes associe les générations et les vocabulaires les plus disparates, casse les catégories pour les régénérer, s’exerce dans le plaisir et assure des prolongements imprévisibles à l’acte artistique le plus ancien qui soit puisqu’il occupe les hommes depuis l’époque paléolithique. Claude Lorent “Je m’empare de tout : de l’Histoire, de la mémoire, des formes cinématographiques autant que spécifiquement plastiques, au travers d’un espace-temps qui n’est pas linéaire mais élastique.” Xavier Noiret-Thomé Xavier Noiret Thomé, “The Return of the Landscape” (diptyque), 2014, peinture acrylique et bois sur toile, 250 x 400 cm. A droite, “Non-Stop Painting : Purple Wave”, 2015, Acrylique et collage sur toile, 170 x140 cm. En bas, “The Returnof the Landscape :Modernist Episode”, 2015; bois, acrylique, spray, vis, sable et collage sur toile; 170 x 140cm. Infos pratiques Xavier Noiret Thomé, “Ghosts”. Roberto Polo Gallery, 8-12 rue Lebeau, 1000 Bruxelles. Jusqu’au 7 juin. Du mardi au dimanche de 14h à 18, week-end dès 11h. Publication : ouvrage cartonné, 78 pp., grandes illus coul., excellent texte de Martin Herbert. Bio express Né en France (Charleville-Mézières) en 1971, Xavier Noiret-Thomé passe la frontière belge et vit à Bruxelles après des études à Rennes et à la Rijks d’Amsterdam. Il expose régulièrement depuis le début des années nonante, surtout en France, aux Pays-Bas et en Belgique, avec quelques incursions individuelles en Grèce, en Suisse et au Luxembourg. Publication d’une monographie en 2012. Résidences entre autres à la Villa Médicis (Rome) et au Domaine de Kerguéhennec(Bretagne). Il est professeur à La Cambre. COURTESY : ROBERTO POLO GALLERY, BRUSSELS ©PHOTO : ISABELLE ARTHUIS COURTESY EN The impertinent power of unrestricted painting A remarkable and truly masterful come-back by Xavier Noiret-Thomé on the Brussels gallery scene, with an exhibition of vigorous painting that is brash, but also overflowing with stimulating vitality, brimming with sensual pleasure. The kind of painting we see arriving in force today is searching for new directions by eagerly borrowing from the past, with the reassuring support of fine art or just the opposite, embracing its irreverent humour as the ultimate weapon of mass destruction to settle the scores with this burdensome past. In contemporary painting, the crux is to fully establish oneself, not to take up an entrenched position, but to claim a place in the vanguard by taking centuries-old achievements, as well as modernist ones into account. Xavier Noiret-Thomé is one of a small number of painters who are free of inhibitions and, as a result, very inventive, yet also firmly attached to the values they keep reformulating. His newest exhibition is a hymn to painting. It resonates in vibrant tones, exuding an enthusiasm that radiates a kind of joyous, infectious anarchy. Irreverence full of admiration One could be forgiven for thinking that Xavier Noiret-Thomé’s painting is all over the place, for that is how wildly his work veers - in decidedly monumental formats, which adds to its impact - from lyrical or constructivist abstraction to a destabilising figuration, from rigour to savagery, from iconoclastic realist portraiture to revised and corrected landscape painting. There can be no doubt that precisely this is his field: the artist casts his net widely, and with unfeigned, joyous vigour. There is happiness in painting, provided it is done wholeheartedly, with no holds barred, without holding anything back, and decidedly breaching barriers. Also, of course, provided that the painter has the kind of mad talent that is required to dare and to succeed. This is a much more arduous task than the result may lead us to suppose. It takes energy, forms, colours and a creative range that never becomes rigid, because everything is based on the new image that is neither retro nor post, but here and now. His working principle is independence of mind, in addition to a complicit, admiring irreverence toward the pictorial corpus that belongs to the best in history. Integration across the board By taking on all modern and contemporary painting, Xavier Noiret-Thomé also takes on board the place of the object in art, the substitution of representation by the object and the taboo of unity of style, thwarts the ascendancy of idea and concept, and adopts the mix of high culture and low culture. He reformulates the principle of the beautiful representation by insisting on shock value. In fact, he defies categorising, by achieving multiple integrations and associations, unhindered by any restrictions or preconceptions. As he gives his all, completely and liberally, he braves all obstacles and achieves a form of regenerative pictorial enjoyment and insight. Whatever he takes on, he puts to the test. He never hesitates to refer to his predecessors, not in order to copy them or do a pastiche, but to allow them to take part in a kind of shared gluttony for painting. New, strange aromas emanate from concoctions featuring contributions by Duchamp, or Miró, Mondrian, Sol Lewitt, Philip Guston, Robert Gober… or any of a hoard of other painters, Magritte for instance, with a mildly ironic pipe Monsieur Hulot himself would have been very pleased with! Xavier Noiret-Thomé’s variegated verve, which is bold in colours and shapes, combines the most disparate of generations and vocabularies in order to regenerate them, expresses itself through sheer joy and provides the oldest artistic action practiced by man since the Palaeolithic era with an unforeseeable and unforeseen continuation. Claude Lorent “I appropriate everything: History, memory, cinematographic forms as well as specifically plastic ones, through a space/time that is elastic, not linear.” Xavier Noiret-Thomé Xavier Noiret Thomé, 'The Return of the Landscape' (diptych), 2014, acrylic and wood on canvas, 250 x 400 cm. Right: 'Non-Stop Painting: Purple Wave', 2015, acrylic and collage on canvas, 170 x 140 cm. Below: 'The Return of the Landscape: Modernist Episode', 2015, wood, acrylic, spray paint, screws, sand and collage on canvas, 170 x 140 cm. Practical information Xavier Noiret-Thomé | Ghosts. Roberto Polo Gallery, Rue Lebeau 8-12, Brussels 1000. Until June 7th. Tuesday through Friday from 2PM to 6PM, on weekends from 11AM to 6PM. Publication: hardcover book, 80 Pp., large colour illustrations, excellent text by Martin Herbert. Short Bio Born in France (Charleville-Mézières) in 1971, Xavier Noiret-Thomé crossed the border into Belgium, where he has always lived, after his studies in Rennes and at the Rijksacademie in Amsterdam. Regular exhibitions since the beginning of the nineties, especially in France, The Netherlands and Belgium, as well as occasionally in Greece, Switzerland and Luxembourg. A monograph was published in 2012. Residences: among others, at the Villa Medici (Rome) and the Domain de Kerguéhennec (Bretagne). He teaches at La Cambre. COURTESY: ROBERTO POLO GALLERY, BRUSSELS ©PHOTO: ISABELLE ARTHUIS COURTESY NL De vrijmoedige kracht van onbegrensde schilderkunst Opvallende en zonder meer magistrale terugkeer voor Xavier Noiret-Thomé in de Brusselse galeriewereld, met een tentoonstelling van krachtige schilderijen, die snerpend is maar ook overvloeit van energieke vitaliteit, boordevol wellust. DE SCHILDERKUNST DIE WE VANDAAG – als een boemerang – weer zien opkomen, zoekt nieuwe wegen en ontleent daartoe gretig elementen uit het verleden, zich gestoeld wetend op uitstekend vakmanschap, of legt integendeel juist het accent op zijn status als grapjas, als was het laatste massavernietigingswapen om de afrekening met dat hinderlijke verleden af te ronden. Bij hedendaagse schilderkunst is het punt nu eenmaal, dat ze in compleet zelfbewustzijn een stelling dient in te nemen, niet in de achterhoede, maar in de voorhoede, door alle verworvenheden, zowel eeuwenoude als modernistische, in rekening te nemen. Xavier Noiret-Thomé is een voorbeeld van die al te zeldzame kunstenaars die complexloos zijn (en dus inventief), maar evengoed gehecht aan waarden, die onophoudelijk worden geherformuleerd. Zijn nieuwe tentoonstelling is een nieuwe lofzang op de schilderkunst. Het is een expositie die resoneert in vibrerende kleurklanken, die een enthousiasme overbrengen dat iets heeft van vrolijke, aanstekelijke anarchie. Oneerbiedige bewondering Mogelijk krijgen toeschouwers de indruk dat de schilderkunst van Xavier Noiret-Thomé alle kanten uitgaat - en dat liefst in monumentale formaten, wat nog bijdraagt tot die indruk - van lyrische of constructieve abstractie tot ontwrichtende figuratie, van strak tot wild, van het iconoclastische realistische portret tot het herziene, gecorrigeerde landschap. Het lijdt geen twijfel dat precies deze veelheid zijn domein is: deze kunstenaar omarmt het allemaal, met een vreugde die nooit geveinsd is. Het geluk is te vinden in het schilderen, op voorwaarde je er met hart en ziel in te storten, zonder terughoudendheid, wars van alle gevaren, alle verboden, en dwars door alle grenzen heen. Op voorwaarde ook, welteverstaan, dat je beschikt over het onwaarschijnlijke talent om dat te durven en daarin te slagen. Deze opdracht is zwaarder dan het resultaat laat vermoeden. Er is energie voor nodig, de vormen- en kleurentaal om ze uit te voeren en een creatief instrumentarium dat nooit stereotypisch of rigide wordt, want alles staat of valt met het nieuwe beeld, dat niet retro is en niet post, maar wel hier en nu. De grondslag van dit werk is vrijheid van geest, gepaard gaand met de oneerbiedigheid vol bewondering van de medestander ten aanzien van het picturale corpus dat het beste van zijn geschiedenis behelst. Integratie alom Door de hele moderne en hedendaagse schilderkunst aan te pakken, weet Xavier Noiret-Thomé zich ook de plek die het voorwerp in de kunst inneemt eigen te maken en de afbeelding erdoor te vervangen, slaagt hij er ook in het taboe van de eenheid van stijl en de hegemonie van het concept te verijdelen, en maakt hij zich het vermengen van Cultuur met grote C te met de populaire cultuur eigen. Hij herformuleert het principe van de mooie afbeelding, door nadrukkelijk het schokeffect te laten spelen. Hij speelt buiten alle categorieën, met zijn veelvuldige integraties en associaties zonder limieten of preconcepties. Door zich zo volledig en zo vrijelijk te geven, trotseert hij alle hindernissen en verwezenlijkt hij regenererende vormen van picturale vreugde en inzicht. Wat hij aanvat, stelt hij opnieuw in vraag en nooit aarzelt hij om te refereren aan zijn voorgangers – niet om hen na te bootsen of te pasticheren, maar om hen te laten deelnemen aan een soort van gedeelde gulzigheid naar schilderen. Ongekende aroma’s stijgen op uit zijn bereidingen, waartoe de ene keer Duchamp heeft bijgedragen, de andere keer Miro, Mondriaan, Sol Lewitt, Philip Guston, Robert Gober of nog anderen, zoals Magritte, met een persiflage op de pijp die Monsieur Hulot zelf niet zou misstaan! De hybride, veelzijdige bezieling die hij ons brengt, die even gewaagd is qua kleurgebruik als qua vormelijkheid, verenigt in zich de meest disparate generaties en technieken, breekt door de muren tussen categorieën om ze nieuw leven in te blazen, uit zich in vreugde en voorziet de oudste kunstvorm die er bestaat – immers een bezigheid van de mens sinds het paleolithicum – van een voortzetting die onvoorzien en onvoorzienbaar was. Claude Lorent “Ik eigen mij alles toe: uit de geschiedenis, uit de herinnering, uit zowel cinematografische als specifiek plastische vormtalen, en dat doorheen een tijd/ruimte die niet lineair, maar elastisch is.” Xavier Noiret-Thomé Xavier Noiret Thomé, “The Return of the Landscape” (diptiek), 2014, acryl en hout op doek, 250x400 cm. Rechts: “Non-Stop Painting: Purple Wave”, 2015, Acryl en collage op doek, 170x140 cm. Onder: “The Return of the Landscape: Modernist Episode”, 2015, hout, acryl, spray, schroeven, zand en collage op doek, 170x140cm. Praktische informatie Xavier Noiret Thomé, “Ghosts”. Roberto Polo Gallery, 8-12 Lebeaustraat, 1000 Brussel. Tot 7 juni. Dinsdag tot zondag, van 14u tot 18u, weekend vanaf 11u. Publicatie: hardcover, 78 pp., grote kleurillustraties, uitstekende tekst van Martin Herbert. Bio express Xavier Noiret-Thomé werd geboren in Frankrijk (Charleville-Mézières) in 1971, stak de Belgische grens over en ging na zijn studies in Rennes en aan de Rijksacademie in Amsterdam in Brussel wonen. Hij exposeert geregeld sinds begin jaren negentig, vooral in Frankrijk, Nederland en België, en ocasioneel in Griekenland, Zwitserland en Luxemburg. In 2012 verscheen er een monografie over hem. Residenties in Villa Medici (Rome) en het Domaine de Kerguéhennec (Bretagne). Hij doceert in La Cambre. COPYRIGHT: ROBERTO POLO GALLERY, BRUSSELS ©PHOTO: ISABELLE ARTHUIS


    9/15/2016 - 11/13/2016

    Vanderborght & Cinema Galeries | The Underground

    Werner Mannaers,The Lolita Series (Chapter 9), Septembre 2015, acrylic, oil, charcoal and spray paint on canvas, 200 x 180 cm For more information visit:


    3/23/2015 - 6/7/2015

    Rue Lebeau 8-12

    La desserte ou le bouquet final, 2014-2015, acrylic and collage on canvas, 300 x 250 cm


    10/24/2015 - 1/10/2016

    Museum van Deinze en de Leiestreek, Lucien Matthyslaan 3-5


    Decoy, 2014-2015, mixed media on canvas, 120 x 120 cm